Comparto con ustedes un set de Hi-NRG dividido en dos segmentos cada uno de media hora, espero les guste y opinene que les parecio, a partir de este set que nos hará recordar los años 80′s, espero poder subir un set cada dos semanas de música electronica y por que no recordar como siempre lo hago ritmos retro.

Track list:
Parte 1
01. Heat X change – Thunder and lightinig
02. Patrick L. Myles – My hearts on fire
03. Trans-X – Living on video
04. The flirts – Danger
05. Modern rocketry – deeper’n deeper
06. Cafe society – Somebody to love
07. King kong – turn the sound up higher
08. Ho Romeo – Light of love
09. Ken Laszlo – Tonight
10. Modern Rocketry – I’m not your stoppin’ stone
11.Proxyon – Space Hopper
12. Stop – Wake up
Parte 2
13. The boyd brothers – Keep it coming
14. Patrick Miller – Desesperado
15. Vanelle – set me free
16. San – Show me
17. Jackson More – On look
18. Lilac – Step by step
19. Helena – Just a illusion
20. Michael Moret – Want me
21. Joe Hatle – Crazy family
22. The Max Him – Melanie
23. People like us – Midnight lover
24. Topazz – Seduction

El número de muertos por la estampida humana que se produjo el sábado en el festival de música Love Parade, en Alemania, ascendió a 20, tras fallecer una joven de 21 años que permanecía en estado grave. Mientras el país sigue conmocionado por la tragedia, aumentó la tensión por averiguar quiénes fueron los culpables.

La Fiscalía de Duisburgo, ciudad en la que se produjo el suceso, continuó este lunes con las pesquisas de la investigación criminal para aclarar lo ocurrido.

Lo que iba a ser una fiesta de la música tecno, acabó en pesadilla cuando se desató el pánico entre los centenares de jóvenes que quedaron atrapados en un túnel de acceso al recinto, tras cerrarlo la policía porque el aforo al festival estaba completo.

clic Lea: Tragedia en el Love Parade

Más de 500 personas resultaron heridas, y 20 perdieron la vida aplastadas por la multitud, entre ellas 12 alemanes y ocho extranjeros de España, Bosnia, Australia, China, los Países Bajos e Italia.
Baile en la cifra de asistentes

Uno de los asuntos que falta por aclarar es el número de asistentes. Según los organizadores ascendió a 1,4 millones de personas, mientras que la policía redujo esa cifra a unas 400.000, y explicó que los responsables del evento inflaron el dato por “motivos publicitarios”.

Sin embargo, parece que el recinto sólo tenía capacidad para 250.000. Por ello, diversos medios de comunicación alemanes denuncian que no se respetaron los protocolos de seguridad.

Según la corresponsal de la BBC en Berlín, Tristana Moore, los críticos argumentan que ni los organizadores ni la policía estaban preparados para un número tan elevado de visitantes y el lugar –una antigua estación de tren- era demasiado pequeño e inadecuado.

clic Lea también: Alemania: críticas a las autoridades por tragedia en el Love Parade
“Homicidio negligente”

El abogado de la Fiscalía de la ciudad alemana Rolf Haferkamp, aseguró que “la Fiscalía de Duisburgo está investigando un homicidio negligente”, aunque dijo –según recogió la agencia de noticias Reuters- que “no se conoce quiénes son los acusados”.
Estampida en el festival de música Love Parade, en Alemania.

La capacidad del recinto era de 250.000 personas, pero la policía asegura que había 400.000.

El alcalde de Duisburgo, Adolf Sauerland, afirmó que aunque la cuestión de por qué se produjo el desastre está “absolutamente justificada y debe ser respondida”, pero insistió en que hasta que se complete la investigación está “fuera de lugar” señalar culpables.

La canciller alemana Angela Merkel ordenó que se abriera una investigación exhaustiva sobre el suceso, mientras que los organizadores del Love Parade aseguraron que no se celebrará nunca más.

Mientras, como reportó el enviado especial de la BBC a Duisburgo, Steve Holden, dos días después de la tragedia, en el túnel “hay santuarios temporales donde lucen velas encendidas en recuerdo a las víctimas, y hay notas con mensajes, entre ellos uno que sólo dice ‘¿por qué?’”.

Fuente| BBC Mundo

Las dos rivales  y simbolos sexuales de los 80′s acaban de grabar un tema juntas, se trata de un cover, el tema se llama “Call me” y quien duera su interprete “Blondie”.

La verdad que los años no les han pasado en vano y les han sentado bien. Recordaran grandes hit’s de estas dos interpretes, en el caso de Sabrina el tema “Boys, boys, boys” y por parte de Samantha “Touch me”.

Les dejo el video para que lo chequen.

El Hi-NRG es un tipo de música electrónica de tempo elevado, usualmente acompañada de instrumentación electrónica, así como también se refiere a un género más específico derivado de la música dance electrónica que alcanzó su máxima popularidad durante el segundo lustro de la década de 1980. El término también se llegó a aplicar a la música Eurobeat que se comercializaba en los Estados Unidos.
En 1977, Donna Summer fue entrevista acerca de su entonces novedoso sencillo I feel love (“Siento amor”), la cual era un tema mayormente electrónico, con un tempo relativamente alto y con un fuerte componente funky. Durante la misma, ella le dijo a su entrevistador que “esta canción se volvió un hit porque tiene una vibración de alta energía” (high-energy vibe). Luego de ese momento, la descripción high-energy comenzaría a ser crecientemente aplicada para definir a este tipo de música, en especial a las por entonces nuevas canciones electrónicas que se caracterizaban por un distintivo sonido o timbre electrónico.[cita requerida] El umbral de percusión que en general solía definir a la música disco high-energy  estaba en el orden de las dos percusiones  por segundo  (más precisamente entre y 125 y 127 bpm).

Durante la década de 1980, el término compuesto high energy sería reemplazado por la grafía informal Hi-NRG, y no sólo se refería a cualquier música dance de alto tempo, sino más bien a un género específico que en cierta forma era heredero de la música disco de finales de los años ’70

El Hi-NRG es tipificado como un sonido enérgico, staccato y secuenciado por un sintetizador, donde los bajos suelen reemplazar a los címbalos operados a pedal (high hats): el Hi-NRG es una evolución temprana de la música disco de nuevo estilo música house simple, rápida, bailable donde el bajo frecuentemente ocupa el lugar del high hat, alternando una nota resonante con otra más atenuada para así marcar el tempo. También se hace mucho uso del sonido de percusión generado por los sintetizadores.

Ian Levine, de los DJs y productores pioneros del Hi-NRG’s en el Reino Unido, define al Hi-NRG como música dance melódica, directa y que no es demasiado funky. El periodista musical Simon Reynolds agrega que “Su carácter no funky era crucial.
Entre 1979  y 1988, el Hi-NRG fue particularmente popular entre las comunidades LGBT de ambas costas estadounidenses, en especial en las ciudades de Nueva York y de San Francisco.[cita requerida]. En particular, el DJ  y productor Patrick Cowley contribuyó a popularizar la música Hi-NRG en el club The EndUp de San Francisco. Cowley y el productor neoyorquino Bobby Orlando estuvieron detrás de algunos de los éxitos Hi-NRG durante esa época. En cambio, en el Reino Unido algunas canciones Hi-NRG no estuvieron inicialmente tan confinadas y rápidamente escalaron a las más altas posiciones de la principal lista de sencillos (UK Singles Chart) de aquél país.

Algunas bandas y solistas Hi-NRG de comienzos de los ’80 incluyen a Amanda Lear, France Joli, Sylvester James, Divine y The Weather Girls. En el mismo período, una forma de Hi-NRG se volvió popular en Canadá, en especial en Montreal (la principal ciudad de la francófona provincia del Quebec). Los grupos más populares que cultivaron este estilo fueron Trans-X y Lime. Éstos no estaban escénicamente tan asociados a los clubs gays, a diferencia de los que solía suceder en los Estados Unidos.

No obstante, en 1983, la revista musical británica Record Mirror -líder en el sonido subterráneo (underground) gay- comenzó a publicar una lista semanal de hits Hi-NRG.

El Hi-NRG también ingresó en el mercado de corriente principal (mainstream) con algunos éxitos en las listas británicas, como Searchin’ (I gotta find a man) ["Buscando (Debo encontrar un hombre)"], de Hazell Dean) y High Energy (de Evelyn Thomas).

A mediados de la década de 1980, los productores de Hi-NRG que sobresalían en los charts de música dance y pop a Ian Levine y al trío Stock Aitken Waterman, quienes a su vez trabajaron con varios artistas diferentes. En particular, éstos tres últimos produjeron dos de los sencillos más exitosos del género, You spin me round (like a record) (“Me haces girar (como un disco)”, de Dead or alive, #1 en el Reino Unido y #11 en los Estados Unidos en 1985) y Venus (de la agrupación femenina Bananarama, #1 en los EE.UU. y #8 en el RU en 1986).[10] También hicieron que, en cierto sentido, el género cerrase el círculo (comercial, al escribir y producir el éxito de Donna Summer This time I know it’s for real (“Esta vez sabes que va en serio”) el cual, en 1989, alcanzó el puesto #3 en el RU y el #7 en los charts estadounidenses).

La revista musical estadounidense Dance Music Report publicó listas (charts) y noticias relacionadas con el género Hi-NRGen la segunda mitad de los ’80, a medida que el género iba alcanzando su pico de popularidad.

No obstante, para 1990 la música house había suplantado al género Hi-NRG en muchas discotecas, en lo que a popularidad se refería. A pesar de esta histórica declinación, la música Hi-NRG aún es residualmente producida y ejecutada en formas diversas, incluyendo varias versiones remixadas o remezcladas de algunos éxitos pop de corriente principal (mainstream) de aquellas época, tratándose de covers en algunos casos. Dos de los sellos discográficos alternativos que ofrecen este estilo de música son Almighty Records y Klone Records.

Via| wikipedia.com

Asi es, el rey de Tech-House que es como yo lo llamo, acaba de lanzar un tema genial como todos los anteriores, les cuento que en cuanto le puse play al reproductor de beatport.com me dije “la tengo que descargar de inmediato” y asi es, ya la tengo, creo que la lanzó a finales de Mayo de este año por lo que todavia esta muy calientita, además Sebastien Leger ya le hizo un remix tambien muy padre, auqnue debo confesarles que me gusto más la version original, escuchela y si les gusta comprenla, sí, ya saben, solo y en exclusiva de beatport.com

ESCUCHENLA O  COMPRENLA

Aviso: Esta rola la puedes descargar, si te gusto comprala y la tendras con mayor fidelidad recomiendo beatport.com

Hace ya unos meses que decidí tener un blog donde hablara de música electrónica y para bien o mal pues aqui esta, la verdad no le he dedicado el tiempo que debería y por lo mismo me estaba saliendo de esa escencia y las ganas (pocas ganas en realidad), pero creo que este es el momento para llenar este blog de post que interesen a la gente y cuyo proposito es el de entretenerlos, informalos (o por lo menos que entren y digan esto vale madres pero al fin de cuentas entraron y se los agradezco).

El día de hoy he eliminado todos aquellos post que nada tenian que ver con el propósito del blog, además prometo andar más seguido por aqui, asi como en un principio les pedi que me hicieran llegar sugerencias para que esto si de por si no les agradaba pues les empiece a gustar, ¿sale?.

ATTE: DJ Soria

El DJ y productor francés David Guetta sacó a la venta la reedición de su disco “One love”, la cual incluye el sencillo “Gettin’ over you”, que fue regrabado con las voces de Fergie (Black Eyed Peas) y los raperos de LMFAO.

Esta nueva versión del track “Gettin’ over’, que interpretó sólo Chris Willis, y que se encuentra en las estaciones de radio desde abril pasado, debutó en el lugar número dos de la lista de ventas en formato digital.

Para esta nueva versión se contó con la colaboración de Fergie, así como de Stefan Gordy “Redfoo” y Skyler Gordy “Sky Blu”, de LMFAP.

Como parte de la promoción del nuevo corte, el videoclip se estrenó en Internet el 19 de mayo pasado, y ya suma más de dos millones de visitas, hecho que lo ha colocado dentro de los 10 videos más vistos en México (durante una semana).

“One love”, en su edición original que salió al mercado hace nueve meses, ha logrado que Guetta se mantenga vigente y se apodere de las pistas de baile de los principales centros nocturnos de la escena electrónica.

La placa logró certificación de Disco de Oro por las altas ventas y ha permanecido en el top 15 de ventas a nivel nacional desde su lanzamiento, en agosto de 2009, con sencillos como “When love takes over” (con Kelly Rowland), “Sexy bitch” (con Akon), “One love” (con Estelle) y “Memories” (con Kid Cudi).

Además de “On the dancefloor” (con Will I Am & Apl De Ap), “It’s the way you love me” (con Kelly Rowland), “Missing you” (con Novel), “Choose” (con Ne-Yo & Kelly Rowland), por citar algunos.

Cabe señalar que David Guetta se adjudicó el Grammy por Mejor Grabación Remix, con “When love takes over”, y ha recibido diversos reconocimientos, entre ellos el de tercer Mejor Representante Electrónico de 2009, por “DJ Mag”.}

Via| informador

Fue a principios de los años 80 cuando la música electrónica empezó a popularizarse. Los principales instrumentos usados por los músicos del género eran los sintetizadores analógicos con Vangelis o Jean Michel Jarre como principales exponentes, y que luego sería el sonido característico de de grupos “new wave” que hacían un “tecno” puro como Depeche Mode o de tendencia más pop en el caso de Spandau Ballet.

Posteriormente con el desarrollo de los “samplers” y la “invasión” de la informática, ya no sólo en la música electrónica y la de baile, sino también en otros géneros como el rock, los sintetizadores analógicos cedieron importancia ante los samplers, capaces de copiar cualquier sonido. Tampoco había necesidad de crear sonidos como ocurre con los sintetizadores analógicos. Se compra una librería de sonidos y con un buen ordenador y un equipo externo mínimo, siempre con el teclado de cuatro octavas para introducir las notas, cualquier persona con unos conocimientos mínimos de música y de informática podía crear sus propias composiciones musicales, e incluso, editarlas y distribuirlas de forma comercial.

Esto dio lugar a una gran variedad de músicos, pero también, y debido a la falta de talento de la mayoría, la música de baile empezaba a sonar “igual” una y otra vez; a no ser que se contara con un productor profesional y equipo igualmente profesional.
El antecesor
El “sampler” revolucionó la música electrónica gracias a la tecnología digital. Pero tiene un antepasado que apareció en la década de los 60 y que utiliza el mismo concepto del sampler de tocar “música pregrabada”. Como en esa época la tecnología digital destacaba por su ausencia, la música provenía de cintas grabadas con sonidos de instrumentos. Este peculiar sistema se llamaba Mellotrón.

El Mellotrón pertenece a la categoría de los instrumentos “electro-mecánicos” y su autoría no ha sido bien definida, debido a las disputas de patentes entre empresas inglesas y norteamericanas, aunque el Mellotrón a su vez, se inspiraba en el “chamberlin”, un instrumento todavía más rústico.

El Mellotrón parece un piano eléctrico, pero en realidad, no se trata más que de un teclado que reproduce en tres canales cintas pregrabadas. Esto permitía notas polifónicas, lo que le daba más riqueza musical frente a los primeros sintetizadores monofónicos como el famoso Moog.

Técnicamente utilizaba “loops”, o duración de la cinta, de ocho segundos. “Loop” es un término propio de estos instrumentos electromecánicos al definir una unidad física como es la duración de una cinta grabada, pero posteriormente se ha añadido a la jerga de la música digital para definir secuencias que se repiten.

El Mellotron podía reproducir las cintas, pero no grabar en ellas. Era el fabricante quien se encargaba de grabar los distintos instrumentos convencionales por lo que el coste de la fabricación era bastante elevado y solo unos pocos privilegiados podían asumir su precio, dado que también el mantenimiento era bastante costoso, al tratarse de un instrumento mecánico que necesitaba de una calibración mucho más complicada que la clásica afinación de los instrumentos de una orquesta.

No obstante los grandes grupos de los 60 sí que podían costearse su Mellotron. Entre ellos no podían faltar The Beatles , el paradigma de grupo pop de guitarras, pero que gustaron de experimentar con los primeros instrumentos electrónicos y la nueva tecnología que poco a poco se implementaba en los estudios de sonido. Otras bandas como los primeros Genesis o de rock progresivo, e incluso los Rolling, utilizaron el Mellotron para dar mayor textura a sus composiciones, aunque no fuera el protagonista principal de las mismas.

Con la llegada de los sintetizadores analógicos y digitales más versátiles, y sobre todo, con el uso masivo del sampler, el Mellotron fue olvidándose poco a poco, hasta que en los últimos tiempos hay un cierto resurgimiento por la estética y el sonido de los grupos poperos de los 60. Algunos lo utilizan para dar más empaque visual a sus conciertos junto con el característico sonido del instrumento. Incluso se están desarrollando “mellotrones digitales” que evitan cargar con el voluminoso instrumento original y sobre todo, abaratando su coste.

Como ocurre con los ordenadores de 8 y 16 bits de los años 80 que son emulados en los potentes ordenadores de hoy en día, la música está recuperando a un protagonista de una época que para algunos puede ser la mejor o peor de la historia musical, pero indudablemente fue una de las más prolíficas y creativas.

FUENTE| terra.es